Indiferent dacă ați rătăcit prin rotația în creștere a Muzeului Guggenheim și v-ați întrebat ce este nevoie pentru a obține artă pe pereții (rotunjite) sau vă gândiți la o carieră în domeniul artelor, nu căutați mai departe.
Ne-am prins cu Nancy Spector, director adjunct și cu Jennifer și cu David Stockman, curatorul șef la Muzeul Guggenheim, pentru a auzi de la un lider în domeniu și pentru a vedea o acțiune de echilibrare necesară pentru a fi la conducerea unuia dintre cei mai prestigioși din lume muzee de artă modernă. Spector și-a împărtășit cu generozitate ideile despre artă în era digitală, începând din industrie ca intern (nota scriitorului: și eu) și prima operă de artă care a avut un impact asupra ei.
Puteți descrie ce presupune a fi directorul adjunct și curatorul șef al unui muzeu de artă de talie mondială?
În câteva cuvinte, aș spune că este un act de echilibrare intens. În calitate de director adjunct care lucrează strâns cu regizorul Richard Armstrong, sunt responsabil pentru dezvoltarea de conținut la Guggenheim din New York, dar și la filialele noastre din Bilbao, Veneția și Abu Dhabi (care este în prezent în dezvoltare). Mă gândesc la instituție într-un context global și ce înseamnă asta pentru programarea, colecția noastră și implicarea noastră în culturi din întreaga lume.
Apoi, există managementul mai granular al calendarului nostru de expoziții, colaborând cu curatorii individuali pentru a-și realiza cel mai bine programele, asigurându-ne că rămânem în misiune, producem noi burse și inovație prim plan. Toți suntem fondatori la muzeu, așa că o mare parte din timpul meu este dedicat și cultivării patronilor, ajutând la identificarea donatorilor și sponsorilor individuali și formulării inițiativelor care ar putea atrage sprijin. În calitate de curator, am și proiecte proprii de expoziție pentru cercetare și producere, care au fost întotdeauna miezul practicii mele.
Cum arată o zi obișnuită în biroul tău?
Nu cred că am vreodată o zi „tipică” de citat. Pot fi la întâlniri cu ceilalți curatori, manageri de departament, membri ai consiliului sau invitați. Subiectele variază de la discuții de programare, recenzii privind calendarul și bugetul, planificarea strategică, pregătirea achizițiilor, politica de gestionare a colecțiilor și recenzii de instalare, pentru a numi câteva. Dar pot fi și în bibliotecă sau să scriu o mare parte din zi. Apoi sunt vizite în galerie și studio, pentru care încerc să-mi rezerv timp.
Cum echilibrezi partea de cercetare și expoziții de a fi curator cu îndatoririle administrative ale conducerii unei instituții culturale; cum porți ambele pălării?
Încerc să blochez timp pentru cercetare, lectură și scriere în avans în calendarul meu, astfel încât să am zile fără întâlniri. Dar, ca să fiu sincer, o mare parte din munca creativă se realizează „după ore”, dacă mai există așa ceva.
Maurizio Cattelan: All, Muzeul Solomon R. Guggenheim, 4 noiembrie 2011 - 22 ianuarie 2012. David Heald © Fundația Solomon R. Guggenheim
Ați putea vorbi un pic despre curatarea expozițiilor din clădirea Frank Lloyd Wright, declarația unui artist în sine și în sine?
Arhitectura excentrică Guggenheim oferă unul dintre cele mai glorioase locuri în care să poți vedea arta. În mod clar, sunt părtinitor, am lucrat acolo atât de mulți ani, dar combinația de a putea vedea o operă de artă atât în mod intim - stând chiar în fața ei într-una din golfurile noastre, cât și o văd pe întreaga întindere a rotunda, este o experiență singulară. În calitate de curator, trebuie să luați în considerare această realitate spațială atunci când planificați o instalare. Cu toții avem tendința de a gândi liniar, cum se citește un lucru alături de altul, dar la Guggenheim, trebuie să te gândești și la cum se va citi lucrarea pe verticală, cum se stivează când este văzută cu ceea ce este deasupra și dedesubtul ei pe rampe .
Cele mai memorabile proiecte de expoziție au fost cele care implică artiști contemporani care răspund la clădire în moduri uimitoare, fără precedent. Matthew Barney a încorporat clădirea ca personaj în filmul său Cremaster 3 ; a filmat o întreagă secvență de vis acolo, în care a scalat interiorul. Această secvență de filmare a devenit apoi literalmente partea centrală a unei instalații care cuprinde sculptură, video și fotografie, care rezumă întregul ciclu Cremaster în cinci părți. Pentru expoziția pe care am făcut-o cu Tino Sehgal, am lăsat rotunda complet goală ca fundal al lucrării sale bazate pe conversații, acest progres, în care vizitatorii s-au angajat în discuții cu patru generații de „interpreți” pregătiți de artiști în timp ce urcau rampe. . Iar Maurizio Cattelan, într-un gest provocator, autodepășitor, a suspendat fiecare lucrare pe care a produs-o vreodată din lucernarea muzeului într-un comentariu ironic asupra caracterului totalizant al expozițiilor retrospective.
Care a fost prima ta slujbă în lumea artei?
După ce am primit masterul, am făcut un stagiu la Guggenheim, care, pentru mine, fortuit, s-a transformat într-o adevărată slujbă. Am fost angajat ca asistent curatorial și, în afară de un scurt rezumat, am fost la muzeu de atunci.
Ce sfaturi le-ați oferi tinerilor interesați de o carieră în arte?
Întotdeauna sfătuiesc să obțin cel puțin un master în istoria artei sau în teoria culturală. Pare din ce în ce mai important să faci stagii; aproape că ai nevoie de stagii pentru a obține stagii în aceste zile; dar experiența practică este cu adevărat importantă.
Pe lângă cele practice și cele teoretice, aș sugera găsirea unui mentor, care să poată ajuta la navigarea pe diverse tărâmuri ale lumii artei. Există diferite căi dacă doriți să lucrați într-un muzeu sau o galerie sau o casă de licitații sau să începeți propriul spațiu alternativ sau să găsiți un jurnal.
Matthew Barney: Ciclul CREMASTER, Muzeul Solomon R. Guggenheim, 21 februarie 2002 - 11 iunie 2003. David Heald © Fundația Solomon R. Guggenheim
Credeți că curatarea poate fi predată (în contextul numeroaselor programe de școli curatoriale)?
Am avut o pregătire tradițională de istorie a artei și am învățat să mă ocup de meserie, așa că îmi este greu să spun. Cred că exercițiul de formulare și comunicare a unei teze expoziționale poate fi predat, dar abilitățile de instalare și execuția viziunii unui artist nu pot fi perfecționate decât prin experiență.
Este un zical că New York-ul s-a schimbat foarte mult într-o generație, de la 57th Street la Soho până la Chelsea, oriunde suntem acum, cu zeci de bienale internaționale și artă cu experiență online. Ce crezi că s-a schimbat în bine? Ce s-a schimbat în rău?
Faptul că arta a devenit un „stil de viață” cu atât de mulți oameni înstăriți care încearcă să adune colecții de trofee și târguri de artă devenind destinații de petrecere nu poate fi bun. Nu este bine pentru artiștii care sunt nevoiți să facă „produs” în mod continuu pentru a susține toate aceste târguri, care oferă un loc înclinat pentru vizualizarea operei lor. Din ce în ce mai puțini oameni văd expoziții în galeria artiștilor, unde pot prezenta o lucrare care face un argument specific. În schimb, întâlnesc piesa izolată într-un stand la un târg. Acestea fiind spuse, acest interes crescut se traduce printr-o prezență mai mare la muzee, ceea ce contribuie la susținerea părții nonprofit a ecuației.
Cred că extinderea culturii noastre digitale oferă o schimbare pozitivă și promițătoare în modul în care oamenii fac, distribuie și consumă cultura vizuală. Nu susțin neapărat „arta internetului”, ci mai degrabă modul în care artiștii folosesc diferite platforme online pentru a ajunge la noi audiențe. De exemplu, Guggenheim a colaborat cu Google câțiva ani în urmă pentru a lansa un program de premii care a recunoscut videoclipuri creative pe YouTube. A fost un experiment radical pentru noi, dar credem că YouTube (și de asemenea Vimeo și acum Vine) oferă talentelor tinere sau emergente instrumentele pentru a face și distribui munca în moduri care nu au fost niciodată disponibile înainte. Acordat, există puțin filtru, dar este ceea ce am oferit.
Matthew Barney: Ciclul CREMASTER, Muzeul Solomon R. Guggenheim, 21 februarie 2002 - 11 iunie 2003. David Heald © Fundația Solomon R. Guggenheim
Care este prima operă de artă care a avut un impact de durată asupra ta?
Ei bine, părinții mei aveau un fax în pictură în sufrageria noastră Jackson Pollock, așa că am fost expus abstracției la o vârstă foarte fragedă. Adevăratul moment de cotitură pentru mine a fost expoziția Joseph Beuys de la Guggenheim, pe care am văzut-o în timp ce eram la facultate, fără să știu nimic despre artist (sau despre arta contemporană în general, pe când eram maestru de dans și filozofie). Instalarea, care era narativă și fantastică, m-a atras cumva urgent și am vrut să știu mai multe.
Care este ultima expoziție care v-a emoționat cu adevărat?
Este o combinație între retrospectiva recentă a lui Pierre Huyghe la Centrul Georges Pompidou și sondajul lui Philippe Parreno de la Palais de Tokyo, ambele din Paris. Ambele emisiuni și-au animat mediile folosind sunetul, lumina, timpul și povestirea în moduri cu adevărat unice. Pierre a folosit elemente vii - un câine și interpreți costumiți - ca parte a instalației. A fost prima expoziție pe care am întâlnit-o, care m-a urmărit în timp ce o urmăream.
